miércoles, 29 de junio de 2011

White Light/ White Heat - The Velvet Underground






Estrenando esta doble categoria Música como tal quize empezar con The Velvet Underground, y como sinceramente no pude escoger entra ambos álbumes, decidí poner ambos con su debut en a través de la historia por tener más historia, no todos serán así.

Este album sigue la misma línea que la de su álbum anterior, pero ahora más experimental aún y con una suite larguísima que podría tornarse aburrida para los oídos no muy educados. Lou Reed y cia demuestran su talento en éste álbum, y lo mejor es que aún no se habían cansado de componer junta la banda, estando en su mejor nivel.

The Velvet Undergroung And Nico- The Velvet Underground








La historia de The Velvet Undeground debe sorprender a propios y a extraños. Fue una banda que se formó a emdiados de los 60's y tenían una propuesta para su música increíblemente revolucionaria y poco tradicional.

Lou Reed era el cerebro de la banda siendo él junto a John Cale, el multinstrumentista de la banda, los principales compositores que eran, a pesar de que todos compartían las mismas experiencias con respecto a las drogas, las situaciones más bajas de New York de los años 60's, pero que solo Lou podía plasmarlas de la manera que lo hacía.

Una mirada a la vida de la clase baja por los literalmente poemas del señor Lou Reed. Lo "underground" todas sus fiestas con las drogas, problemas, dependencias, prostitución tanto que se retrasó la publicación del álbum por problemas de censura. Nadie puede escribir sobre las drogas sin sonar pretencioso a menos que sea Lou Reed.

Todas las letras con su contenido poético formaban una expectacular dupla con la música del álbum. Nunca nadie había sonado siquiera cerca a eso, sonaban psicodelicos, sonaban muy ruidosos, sonaban con la esencia del rock n' roll, pero nadie estaba completamente seguro de que era lo que tocaban, y a todos los que lo supieron apreciar en su momento poco les importo.

A la fecha, aún estoy indeciso por etiquetar la música de los Velvet Underground, pues es inclasificable por su experimentación y sinceridad que ninguna otra banda presentaba, más la excelente colaboración en este álbum de la bella cantante Nico que le aporto su grano de arena para dar un sonido más estético a la banda que resultaría ser el eslabón que estaba perdido para el álbum.

El álbum, así como la banda, terminaría influenciando a casi todo el movimiento alternativo y punk que surgiría en los siguientes años. Gente muy representativa como The Stooges, Sonic Youth, The Ramones, que terminarían finalmente teniendo una importancia decisiva para todo el rock alternativo, el punk y el garage.

A pesar de todo lo que este álbum aportaba como novedad; jamás fue nada exitoso ni mucho menos. Tuvo ventas muy pobres, y dificilmente eran reconocidos por esos años. Más bien eran, como su nombre lo decía "underground", y a pesar que en un futuro lo dejaran de ser porque tanto talento no podría ser olvidado, eso era necesario para que el mundo entendiera su importancia.

Sin embargo, la banda no estaba inconforme con los resultados de la obra, jamás les importó mucho al popularidad, ellos solo querían tocar música por pasión a lo que hacían, escribir y ganarse la vida como cualquier otra persona de los barrios de Nueva York.

Los más importantes para muchos, incluídos el fantástico Lester Bangs, y muchos otros "locos" que fantasiaban con es esonido característico sonido del álbum que parecía hipnotizante e interminable, lo que los catapultarían como los más influenciadores de toda la historia, no solo por la parte músical, sino por la parte letrística y esa actitud extraña que la banda sabía mantener.

Así, finalmente, no hay nada más que hablar sobre el álbum más que decir que no por nada esta reconocido como uno de los mejores álbumes de la historia por muchas publicaciones, y también por un servidor. Un álbum que te sorprenderá, te atrapará y probablemente quedarás enamorado de toda esta camada de música.







Cambio en la estructura del blog

Esto no es una entrada de música, tan solo para las pocas personas que leen esto, y qeu espero que en un futuro crezca la cantidad, creo que es importante que lo lean, no será muy largo por lo mismo.

Soy una persona que tiene un fanatismo increíble por la escritura y la lectua. Sin embargo, sé que no todas las personas que aman la música comparten esta pasión conmigo. Así que he decidido, separar el blog en dos categorías: Una que será más cruda y directa, y otra como el estilo que seguía manejando en mis pasadas entradas. Probablemente las más crudas y directas serán albumes más actuales por no tener tanta información acerca de la historia y esta se llamará: Música como tal. Mientras que los otros, aunque no siempre, serán regularmente clásicos y de la vieja escuela serán llamados: A través de la historia.

Esto probablemente aumente el número de álbumes que irán a la biblioteca de Sonidos pensantes, y por eso mismo lo empiezo a hacer, también.

Comprendí que probablemente llegue a ser aburrido a mucha gente, y lo entiendo, así que decidí cambiar un poco para todos los gustos.

Saludos, y gracias por leer esto.

Lane

martes, 28 de junio de 2011

Red Queen To Gryphon Three - Gryphon








Siempre me han interesado el folk renacentista, y Red Queen To Gryphon Three es una excelente opción para todas las personas que también sienta el deleite y logran ser invadidas por esa sensación de estar realmente presentes en la época.

El álbum, el tercero de los ingleses Gryphon, había sido lanzado a finales de 1974, apenas unos cuantos meses después de su segundo álbum Midnight Mushrumps, y terminaría siendo la cúspide de sus discos de estudio, a pesar de tener la arriesgada propuesta de ser un álbum totalmente instrumental.

La banda logró plasmar en este álbum la esencia folk de su primer álbum donde aún sonaban inmaduros, pero excelentes, y sonaban, también, sin alguna influencia progresiva que se vería más notoriamente en su posterior álbum y terminaría por ser más que evidente en éste álbum que fue para muchos el mejor folk prog que se hizo desde lo que hacía Jethro Tull.

Sin embargo, Gryphon suena como a ninguna otra banda. Logra tener lo sinfónico de Yes, lo folk de Jethro, y mantener la elegancia de grupos como Genesis y la obscuridad de King Crimson. Y, a pesar de ser instrumental, siempre es muy agradable oír esos sonidos y esos sintetizadores que constrastan con el ambiente fenomenal del disco.

Otra cosa a destacar en gran medida de esta obra es que en ella se utilizan muy pocos instrumentos electricos y la gran cantidad y calidad de instrumentos de viento aunados a el ingenio de la banda para lograr un ambiente sumamente relajante y que te teletransporta a un maravilloso mundo medieval en el que te sientes parte de la historia, pero siempre manteniendo ese suspenso elemental en toda obra.

La obra, finalmente se divide en 4 canciones largas que manejan muy bien la armonía y la implementación de un patrón musical poco común que sorprende a propios y extraños. Un excelente álbum de folk progresivo para los paladares más exigentes.







lunes, 27 de junio de 2011

Thick As A Brick - Jethro Tull







De nuevo un álbum de 1972, pero este era diferente a toda la camada de álbumes que habían tenido los 70's. Este álbum revolucionaría no solo al rock progresivo, sino a toda la música en general.

Hacía apenas un año en el que habían sorprendido al mundo con su álbum conceptual Aqualung, el cual fue muy bien recibido por la crítica por saber mezclar su sonido de álbumes anteriores con la corriente de moda: el progresivo. A pesar de eso, Ian Anderson ha declarado hasta hartarse que Aqualung no era un álbum conceptual, y tanto estaba harto que decidió hacer en realidad un álbum conceptual que fuera imposible aceptar que lo fuera.

Entonces, aprovechando esto, y también como una burla hacia las bandas progresivas más aclamadas en la escena del progresivo, se embarcó en esta díficil y elaborada composición que sería el pico más alto de la carrera de Jethro.

La letra surgió basada en un poema de un presunto niño poeta del cual muy poca información se tiene. Pero la letra, aunque con un excelente contenido poético, debe quedar a un lado y se debe analizar lo más importante de esta canción. Porque este álbum fue totalmente revolucionario, y también muy arriesgado, al contener únicamente una larga canción homónima de 43 minutos durante todo el álbum.

Revolucionario por su idea, excelente en cuanto a la versión lírica, y aún mejor en cuanto a estructura y a música. Simple y sencillamente un álbum conceptual como pocos en la historia, que llevaría a Jethro a ser una de las bandas de culto de la época.

E increiblemente el álbum, a pesar de su extensa duración, fue un furor mundial al estar localizado en los primeros puestos de los álbumes más vendidos, y también logró consagrarse como uno de los mejores álbumes de los 70's y también en un icono de la cultura popular que después le rendiría homenajes e interminables anécdotas.

El álbum está claramente marcado por la gran interpretación de Ian tanto en los vocales como en la flauta y colaborando de una excelente manera con su guitarra acústica. Evan siempre tocando los teclados a un nivel muy alto que influenciaría a muchos otros teclistas, mientras que los otros músicos, a pesar de funcionar de muy buena manera como grupo, individualmente no resaltaban mucho, pues Ian era el dueño total de Jethro y quería el lucirse más sobre todos los demás músicos.

Este álbum tiene una magia inexplicable que convierte al álbum en una pieza muy elaborada y pegajosa a la vez con cambios de ritmo bien marcados que llegan a sorprender manteniendo siempre la base rítmica con el bajo y la batería que estaban liderados por la flauta que es el instrumento principal en toda la carrera del grupo.

El álbum, finalmente, nunca se torna monótono ni cansado, porque siempre mantiene una esencia que otras bandas pueden mantener con muchos sonidos intercalados que logran crear una atmósfera que se interpreta de muchas maneras y que puede llegar a ser desde increíblemente feliz hasta una en la que el miedo y el terror se apoderand el individuo.

Densidad, obsuridad, composición, sentimiento, pasión, todo esto tiene el álbum y otra cosa que no se podría explicar a menos que se escuche el álbum entero y se entienda el concepto del álbum. Un excelente álbum de Jethro Tull que desafortunadamente ya no volvería a sacar un álbum de tal magnitud, pero que revolucionaría al mundo musical. Un álbum locamente sensacional.








domingo, 26 de junio de 2011

We're Here Because We're Here- Anathema




El año pasado fue un excelente año para el rock progresivo, hubo grandes debuts como el de Haken y el de Resistor, y hubo otros grandes álbumes por parte de artistas de la vieja escuela como Univers Zero, Il Tempio delle Clessidre, Raccomandata Ricevuta Ritorno, mientras que otras bandas empujaban con fuerza como Lunatic Soul, Gazpacho, Spock's Beard y la gran Anathema.

Habían pasado 7 largos años desde la publicación desde su último disco, e independientemente de la razón por la que esto se haya dado, la espera valió la pena. El álbum cumplió en todos los aspectos y logró mantenerlos con cierta fama a nivel mundial

Anathema es un ejemplo claro de evolución musical a través de los discos y los años. Lograron pasar de su rudo y rudimentario inclusive doom y death metal de sus primeros discos a pasar a sonidos totalmente progresivos con sensaciones conmovedoras y una instrumentación de una calidad muy alta. Y a pesar de que nadie les quita su lugar que tienen para el metal, a su público más rudo no le gusto, pero tienes que estar loco si no admites que esto lo hacen mejor.

Con una fórmula sencilla de hacer progresivo la banda ha sabido recibir buenas críticas de la prensa. Sin embargo, aunque la fórmula sea sencilla, la práctica es totalmente diferente, porque hay muchas bandas que hacen progresivo con esta música con esta misma fórmula y no les funciona. Una forma muy sencilla y excelsa, como toda la música, si se realiza de la forma correcta: Composiciones con coros que resalten y ambientes relajantes intercalados por momentos de reflección siempre con un feeling y una instrumentación justa sin ser pretenciosa.

Y el álbum tiene eso, no es pretencioso. No intenta recrear las siempre arriesgadas suites largas que si algo no cuaja y se pierde el sentido de la suite, entonces toda la suite, aunque sea por un momento, se irá para abajo y también el álbum. Muchas bandas han cometido este error, pero Anathema ha sabido hacer lo que le toca con una gran ejecución.

A pesar de eso pareciera que éste álbum no es para todos los oídos progresivos. Es inevitable pensar que las influencias alternativas que tiene el álbum que podrían desagradarle a un amante progresivo más convencional que no está abierto a sonidos alternativos. Sin embargo, el álbum logra mantener un equilibrio esencial sin ser más alternativos de la cuenta, pero siempre aplicando esa vena para no perder su estilo.

El álbum es un viaje a través de todas las canciones con un final incierto y un recorrido mágico pragmado con un ambiente iluminado por la batería que cobra un papel muy importante en el disco, mientras que los sintetizadores hacen de lo suyo para proyectar el sonido del álbum que nunca se torna repetitivo, pero siempre está presente en cada canción.

Y, lo mejor de todo, es que el álbum no solo nunca se torna aburrido a pesar en una gran parte del disco sea instrumental, sino que jamás se torna tradicional ni cíclico porque siempre recrea sonidos muy pocas veces antes hechos, pero todo sin perder la línea delgada que une a los álbumes.

En el aspecto instrumental, la batería, ya mencionada, es vital en la obra. Sin embargo, la guitarra parece ser la guía de la obra, la que logra crear esos ambientes de emotividad que te hacen refleccionar; La voz no pudo haber encajado mejor con la intención, y cada arreglo y cada momento de la obra está en su lugar justo para no perder la dicha línea delgada muy complicada en mantener.

Y Anathema no solo logró mantener esa línea, sino que nos regaló un álbum para todos los oídos que te atrapará y probablemente no pares de escuchar, nos regaló un álbum para la posteridad, nos regaló no solo uno de los mejores álbumes del año pasado, sino uno de los mejores álbumes de todo lo que va del siglo XXI.








sábado, 25 de junio de 2011

Felona E Sorona- Le Orme







Hoy le toca a probablemente mi disco favorito del obscuro progresivo italiano: Felona E Sorona de Le Orme, el cual es un álbum conceptual que tiene toda la potencia propia del progresivo italiano y la magia de las atmoferas bien hechas.

Le Orme es una de esos power trios que desde la primera vez que los escuchas sabes que no son como ningún otro, tanto así que si los escuchas sin saber que son uno, probablemente te sorprenderás, al igual que yo, al enterarte que son solo tres personas creando esas atmosferas que asemejan al espacio y a situaciones contrastantes tanto obscuras como claras, dependiendo de lo que la ídea requiera.

Y el álbum requiere de ambas, porque este álbum conceptual abarca todos esos elementos: Contraste de luz y obscuridad y situaciones espaciales, teniendo a Felona y a Sorona, dos países enamorados que están imposibilitados de verse. En teoría la idea es excelente, pero eso solo ocurre en la teoría; en la práctica es mucho mejor.

En la música no importa el lenguaje con que se escriban las letras, porque las letras no sno lo más importante en la música. A final de cuentas, hay música sin letra, pero no hay música sin la parte melódica. Y ,entonces, lo único que importa acerca de la música es que esta ya es por si sola un lenguaje. Depende de cada individuo entenderlo de la manera que más le parezca coherente y conveniente. Así que, la verdad no importa el lenguaje que esta sea cantada, solo lo haría más estético. Afortunadamente el italiano siempre embelleze cualquier composición.

El álbum es excelente para empezar a escuchar progresivo italiano, porque es digerible y muy agradable a cualquier oído. Es altamente relajante y es claramente influenciado por la música clásica, lo cual lo convierte en una pieza a la vez compleja y digerible al impregnarla del sello de Le Orme.

Sinfónico de principio a fin compactado con toda esa delicadeza que siempre el progresivo le ha sabido dar y que ninguna otra corriente del rock progresivo se la siquiera acercado. Tanto fue la calidad del álbum por estas características que logró ser un parteaguas para muchas bandas italianas que venían empujando y, junto a Premiata Forneria Marconi, se posicionó como los principales precursores del progresivo italiano.

El álbum aborda momentos que se infieren por suposición tristes, y otros más alegres, siempre dejando ese aire de suspenso salvado justo a tiempo por los acordes tanto acústicos(que son memorables en el disco) como los más electricos(que tampoco abundan) para darle un desenlace a la historia a lo más puro progresivo.

El álbum ha sido muy alabado por todo el público progresivo y por la crítica en general por además de las razones mencionadas arriba, por su excelente desarrollo y planteamiento final que conlleva a un final inolvidable que finalmente se vería influenciado en otras bandas que por momento recuerdan a los momentos más melódicos de Le Orme como Dream Theater, Van Der Graaf Generator y muchas otras bandas progresivas italianas principalmente.

Por último, lo único que cabría agregar al trabajo es lo corto que podría durar, y por lo mismo, impactante y altamente digerible que por momentos pareciera le falta más duración, pero eso se arregla con una simple escuchada de nuevo que te abrirá la puerta y alentará para que descubras más sobre ese mágico progresivo italiano.








viernes, 24 de junio de 2011

Close To The Edge- Yes





1972. Había sido un año glorioso para el rock progresivo. El año anterior a ese había sido el detonante que traería grandes álbumes para ese año. Thick As A Brick había dejado a todos perpjejos en cuanto a la forma de hacer música, Emerson Lake & Palmer cada vez perfeccionaban su estilo y eran conocido como los perfeccionistas, pero nada se le acercaría a esta obra épica, como todo lo que hace Yes.

A pesar de que las otras bandas manejaban un lado más obscuro del rock progresivo, Yes podía imprimirle en cierta parte alegría a sus composiciones y mucho dinamismo que se ven reflejado en la mayoría de sus álbumes. Sin embargo, este álbum no sería el caso.

Aplazado inicialmente por la creciente popularidad que había ganado su antecesor Fragile, Close To The Edge tenía una loza pesada la cual les ponía un estandar díficil de superar. Fragile había sido un álbum casi perfecto y para alcanzarlo había que hacer algo que hicieron: la perfección.

Fiel a su estilo de los primeros álbumes de Yes, con el uso de sintetizadores siendo una pieza fundamental para el sonido de la banda. Con la parte lírica de excelente calidad y complejidad. Con arreglos extremadamente elaborados y cuidados a la perfección. Con la magia personal que solo Yes le podía brindar a un disco.

El disco en general fue atrevido, y aunque pudiese haber sido pretencioso(al solo contar con 3 temas de una amplia duración), fue excelentemente bien recibido por la crítica, inclusive la crítica alejada del progresivo.

Es imposible no mencionar una característica que está presente en este disco, al igual que en todos los discos de Yes, que es lo épico de sus composiciones. Todo mezclado en una atmosfera simple y sencillamente que podría parecer eterna, sufrida, y tan corta a la vez. Todo unido a la perfección para dar uno de los mejores álbumes progresivos de los 70's.

Todos, en su papel respectivo, hacían gala de su calidad para dar una conjunción única y misteriosamente mágica. Anderson cantando como nunca con una voz que podría tocar las entrañas más escondidas de cualquier hombre. Chris demostrando la importancia que tenía el bajo durante una canción y proclamandose como uno de los mejores de la historia. Wakeman había revolucionado totalmente los teclados tanto que estaba a la par de nombres como Keith Emerson y Ray Manzarek, tocando cada nota de una manera sobervia que lograba transmitir pasión y muchas emociones. White siempre efectivo en la batería, y Howe, a pesar de perder cierto protagonismo al no tocar sus orgásmicas canciones acústicas pero aportando su lado tanto compositivo como en su aporte grupal dando lo mejor de si cada que la banda lo requería.

A pesar de todo esto, y de la creencia de que quizá el álbum no es para todos los públicos, el álbum en ningún momento se vuelve lento o aburrido, porque no solo sabe mantener cierto suspenso por no saber que es lo que te depara el resto del álbum, sino porque es para cualquier tipo de oídos y porque cohesionado todo da como resultado un álbum que por si solo destroza estandares.

Close To The Edge es uno de esos álbumes que te atrapan desde la primera vez que los escuchas y se vuelven adictivos. Es de esos álbumes que desde la primera escucha sabes que es algo fuera totalmente de todos los álbumes normales y comunes. Es de esos álbumes que se unieron a la historia por ser uno de los mejores.






lunes, 20 de junio de 2011

Doomsday Afternoon- Phideaux




Doomsday Afternoon es un álbum editado por el músico, director de televisión y genio computacional Phideaux Xavier. El álbum fue publicado el 2007 y forma parte de la elite del rock progresivo actual.

A mi punto de vista, éste álbum representa todo lo que fue la primera década del siglo XXI para el rock progresiva, la mejor. La gente constantemente habla sobre las joyas de los 70's y los renaceres con el metal progresivo en los 90's. Sin embargo, el rock progresivo se ha mantenido en una calidad y cantidad sin precedentes, inclusive en momentos superiores que en sus momentos de más fama en los 70's.

No conozco mucho al señor Phideaux, pero desde la primera vez que escuchas este disco puedes sentir el sentido del mismo. Te das cuenta que no es otro capricho de estrellas televisivas(léase Jared Leto) por formar una banda y ampliar unicamente sus ganancias. La capacidad instrumental de Phideaux tal vez no sea impresionante como las que otras bandas de la época tienen entre sus filas, pero cuenta, al igual que muchas otras bandas progresivas, con un compositor gigantezco.

Una vez que entras en este juego psicodélico no podrías salir. Un juego de voces único e inovador, atmósferas que dan alusión a la intención de cada canción para formar armonías complejas de un simple instrumentación interpretada siempre sin ser pretencioso y sin intentar hacer demás de lo que a cada músico le toca.

Todo encerrado en un solo álbum compactado con una majestuosidad tremenda por parte de Phideaux. Llevado a cabo de simples interpretaciones y con mucho sentimiento y limpieza que logran crear armonías díficiles de encontrar mezclado con voces perfectamente sincroniazadas y cambios de canción magníficos que te sorprenderán todos sin dejar a un lado los sonidos poco convencionales del álbum.

El disco, asegurado, está trabajado en cada momento para que no suene aburrido, recurriendo a técnicas muy particulares y muy poco convencionales para darle un sello distintivo al álbum añadido de ese toque sombrío que tiene toda obra progresiva.

Tan sinfónico como cualquier obra de The Moody Blues o Mahavishnu Orchestra, y con interpretaciones en los teclados que recuerdan a Caravan, voces de juegos que dan la impresión tomados una mezcla de Yes, Magma, Pink Floyd con un toque extraño que pocas bandas le han podido dar.

Todo éste álbum cuenta con una característica que jamás había visto en algún otro. Toma sus canciones y les hace un espejo después en el álbum que logra dar una versión alternativa de la canción, pero con diferente instrumentación, ambientes, letra, pero manteniendo de forma asombrosa la misma idea de la primera parte de la canción y sin esta tener que considerarse una canción de relleno, porque encaja a la maravilla con el disco, formando entonces un lado "blanco" y un lado "obscuro".

Y si hay una cosa que hace que un álbum sea más épico aún es no solo que logre mantener una línea durante todo el álbum, sino que cuando lo escuchas, no esperas algunas partes de la música y te llegan a dar una grata sorpreza a pesar de que lo escuches miles de veces siempre encontrándole nuevas partes y disfrutando cada segundo.

Éste álbum tiene todo eso y más, facilmente es el mejor álbum de rock progresivo (conste rock no metal) de los últimos 30 años, probablemente sea una etiqueta muy pesada, y talvez esté dejando de lado a grandes bandas que actualmente no pienso en ellas. Sin embargo, Phideaux no está nada lejos de eso.






domingo, 19 de junio de 2011

Shadow Of The Moon- Blackmore's Night






Últimamente he estado atrapado por esta belleza del señor Blackmore, el mismo que era el cerebro principal de Deep Purple y puso en los reflectores a Dio, e injustamente se le infravalora en muchos de los casos. Blackmore es un guitarrista completo que a pesar de tener su lado obscuro y su lado épico, conserva un elemento clásico y artístico que lo separan de los demás guitarristas, y lo convierten en un guitarrista poco convencional, lo que queda demostrado en este disco.

Todos conocemos tanto el talento de este músico, como de también por su crecido ego. Siempre ha sido una persona perfeccionista, que le gusta ser autoritario en una banda y ser siempre el motor y centro principal de la banda. Tampoco tuvo jamás una estabilidad no solo en bandas, ni en compañías (esta el ejemplo que nunca tuvo un discipulo), si no también de que nunca estuvo conforme, talvez nunca llegó a hacer lo que a el le gustaba del todo, hasta que llegó a Blackmore's Night.

Blackmore siempre contó con un gran fanatismo hacia todos los elementos medievales, algunos de los cuales los plasmó en sus anteriores proyectos, pero jamás había encontrado a alguien que compartiera esa afición y que fuera digno de crear y componer a su lado tomando en cuenta su alto ego, nadie hasta Candice Night.

Candice Night era apenas una joven de 20 años cuando Blackmore la conoció(teniendo Blackmore 25 años más que ella). Finalmente, después muchas emociones compartidas hubo nupcias y hubo un grupo. Un grupo que crearía música muy alejada al estilo que había desarrollado Blackmore, y aunque Blackmore sabía que a muchos no les gustaría ese cambio, a el realmente no le importaba, el realmente quería ese grupo.

El dúo tecnicamente es muy dotado no solo por Blackmore, si no por la potente, mística, irreconocible y hermosa voz de Candice. Una voz que no siempre se encuentra, una voz con la potencia de un tenor y con la delicadeza de toda una dama. Una voz que te envuelve y no te deja alejarte, una voz limpia que se conjuga a la perfección con la guitarra de Blackmore para darle al dúo una cohesión envidiable y muy fuerte.

Y a pesar de que la prensa sabía que Blackmore quería escaparse de los reflectores y aún sabiendo claramente las ideas de Blackmore y de Candice, esperaban con cierto morbo el álbum para algún escéptico que aún añorara los tiempos de Deep Purple se sintiera vivo, y tal vez sonara no tan folk y más rockero. Peor pronóstico no pudo haber sido, no vieron lo evidente. Blackmore se aleja de todos los paradigmas, empieza a tocar en castillos y se convierte en un hombre de familia, dejando su ego a un lado y empezando a crear música, lo mejor que sabe hacer.

El Shadow Of The Moon concentra todo lo que un amante de la música en general pide: sentimiento en las interpretaciones; silencios no olvidados, pero tampoco abusados; Instrumentación de calidad y coordinada con la idea de la música; una idea general en el concepto de la música que interpretan y sobre todo el interés por crear música más que nada por el amor al arte más bello de todos.

Pasión, magia, momentos memorables con la guitarra que a pesar de ser una sola parecería una orquesta entera. Un álbum con sus momentos instrumentales bien marcados por el ritmo y por la melodía sintonizados en el mismo carril con la voz de Candice. Un álbum que desde el primer momento de escucha sientes que tiene una propuesta de verdad muy interesante. Un álbum fuera de lo común, y ampliamente superior a lo común.

Toda obra tiene que tener un concepto para el que se hizo, y si se tiene uno que es viable, no muy pretencioso, y tampoco conformista y siempre con un poco de creatividad, al menos en la idea el álbum va por un excelente camino, la parte que faltaría sería la instrumental, que ya se dijo es impresionante a pesar de los pocos instrumentos que se usaron.

El álbum cuenta, a pesar de sus pocos instrumentos, con una gran cualidad: La renacentista. Por un momento realmente te teletransporta a otra época y te hace sentir que estás viviendo en esa epoca que intenta marcar la guitarra. Todo eso puede suplantar el sonido de más instrumentos.

Finalmente, el álbum es así, una joya muy limpia y relajante sobre todo que te atrapa y te enciende desde la primera escucha y termina por fragarte de su estilo y hacerte querer más. El álbum quizá para los rockeros más sentidos no les agrade del todo, pero para un amante de la música en general lo ve como lo es: Un álbum hermoso de principio a fin.





miércoles, 15 de junio de 2011

(Led Zeppelin IV)- Led Zeppelin






1971. Uno de los mejores años de la historia del rock. Justo unos meses atrás habían golpeado las radioemisoras dos álbumes ya reseñados aquí. La gente a pesar de la partida de algunos grandes del rock desde finales de los 70's, sabían que estaban viviendo la cúspide no solo de la historia del rock, sino de la historia musical. Sin embargo, no se esperaban obra de tal magnitud como la que Jimmy Page y compañía estaban por sacar a la venta.

A pesar de que esa maravillosa banda que sonaba muy pesado, y mezclaba su sonido con un blues, y hasta un folk, que más tarde mostraría influencias de musica celta, Led Zeppelin había recibido malas críticas de su anterior album. Los criticaban, injustamente de copiones, y de estancarse en un sonido y no poder desarrollarlo, algo que era obvio tras el gran trabajo que hicieron en su segundo álbum.

Para entonces Jimmy Page estaba enojado con la gente, quería demostrarles a todos los escépticos, a todas la prensa, y absolutamente a todo aquel que dudo que pasarían a la historia, si es que aún no lo estaban. Porque si por algo se caracterizó Led Zep siempre fue por inovar.

El grupo estaba molesto, parecía que la gente había olvidado que ellos fueron los primeros en pasar del rock sesentero que era principalmente mezclado con blues, jazz, a tener un característico sonido que se alejara de éstos últimos sin olvidar su influencia y así perfeccionar un genero creado por The Kinks, uno de los primeros subgneros que tuvo el rock junto con el psicodelico: El hard rock.

Era momento entonces de dejar de ser la promesa y convertirse en la realidad. Convertirse en una banda de culto que parecían perderían esa etiqueta en el tiempo. Era momento de hacer historia.

El álbum surgió así. Con Page creando un álbum sin título, parecía un suicidio comercial, y en primera instancia Atlantic no había aceptado la propuesto. Sin embargo, el grupo obtuvo lo que quiso, y finalmente empezaron a trabajar en uno de los trabajos más ambiciosos que se hayan hecho.

El álbum en general no tiene ningún hueco musical y mantiene una constancia y paridad increíble. En ningún momento desatiende la música y a la vez es pegajoso, potente y también tiene la potencia que le caracterizaba a Led Zep, pero ahora más maduro y más marcado ese sonido y ya más desarrollado.

La instrumentación siempre ha sido parte esencial de la música de Zeppelin, todos siempre destacando en lo que hacían. Plant cantando tan potente como jamás lo había hecho, con un sentimiento impresionante en canciones como la mística y legendaria Stairway To heaven y Going To California. John Bonham, aquel hombre que había impactado a todos con su solo de batería en Moby Dick, parecía que había nacido para tocar la batería, para impregnar el ritmo esencial junto a John Paul Jones que la banda siempre tuvo. Además, la banda contaban, como pocas, con un multiintrumentista que reflejaba su talento en cada canción: John Paul Jones (Quien también tiene calidad como pocos).

Y, por supuesto estaba entre las filas de Led Zep estaba el co-líder y el cerebro principalmente de la banda: Jimmy Page. Un guitarrista como pocos, que logra mezclar a la perfección su carisma, su técnica, su velocidad, su pasión, su sentimiento, su ritmo, su ingenio y talento, y sobre todo su enigmática figura sobre el escenario y fuera de él.

El álbum es recomendable de principio a fin, no solo por todas las razones mostradas hasta aquí, sino porque hay ciertos materiales que al estar cerca de ellos es reconocible a simple vista que eso es más que lo que parece. Éste álbum es eso, más de lo que parece, nadie conoce realmente lo que Jimmy Page intentó hacer del álbum, pero en la música, como en todo arte es mejor darse una ídea propia sobre esta joya no solo de la historia del rock, o del hard rock, sino de la historia musical.






martes, 14 de junio de 2011

In The Court Of Crimson King- King Crimson





La segunda mitad de los 60's estuvo dominada principalmente por el rock psicodélico. Todas las bandas habían ya establecidas habían decidido probar suerte con esa corriente y habían surgido muchas otras que se dedicaban a tocar específicamente psicodélico. Sin embargo, había otros, que en un momento de grandeza o de delirio crerían estilos totalmente ineditos. Uno de estos era Robert Fripp.Robert Fripp es el líder de la banda que muchos consideran el padre del rock progresivo: King Crimson, el rey carmesí.

Era tiempo de fusionar el rock n roll con música docta y con influencias de jazz. Aunque esto representaría quizá una perdida, también mostraría que el rock n roll era más que un simple movimiento efímero criticado por mucha gente, e inclusive criticado por grandes figuras musicales mundiales ajenas al rock como Frank Sinatra. Era tiempo de crear música compleja. Era tiempo de hacer historia.

Entonces surgió así la idea de crear un álbum conceptual, algo casi esencial del progresivo. Surgió la idea de crear atmosferas que parecieran eternas, era momento de dar el paso que a alguna gente proto-progresiva como Traffic, The Moody Blues, The Beatles, Nirvana, les había faltado dar.

Si bien Fripp fue el mayor aritifice para hacer esa maravillosa obra, otro pilar para el progresivo, Greg Lake, cantaría en el álbum encajando a la perfección con la idea del álbum: el delirio. La portada, la música, las letras, todo encajaba para hacer una joya musical que revolucionaría la música.

Un álbum melodico de principio a fin, con ambientes místicos y sonidos que, si no estás familiarizado con el progresivo, te sonarán dificiles de asimilar, pero una vez que los asimilas, no podrás dejar de escucharlos y querer aprender más sobre un universo musical que hasta entonces te parecía inexistente o mitologico. Sonidos mágicos. A final de cuentas el progresivo es eso, sonidos magicos.

El disco se convirtió en la base para todo artista progresivo, tanto así que si una banda que se llama progresiva y no esta influenciada por King Crimson, seguramente lo esta haciendo mal. Y a pesar de que aún está presente la vena psicodelica, este ultimo siempre de la mano con el progresivo, pero este marcaría el fin de la union y la preponderancia del progresivo. La preponderancia para hacer música de calidad y con mucho sentimiento.

Tanto fue el impacto mediatico de este album, que en los próximos años, si una banda no establecida no hacía cosas con tintes progresivos, dificilmente vería fama durante su trayectoria, al menos entre 1969 y 1975, y a pesar de que el punk sería la respuesta a esto, y toda la magia se enterraría en los 80's con algunas excepciones(que finalmente sería desenterrada por el metal progresivo), el progresivo sería el pilar de toda la música.

In The Court Of King Crimson era tan perfecto y tan bien trabajado que pudo lograr todo esto, pudo revolucionar la música, y pudo unir la música culta con uno de los mejores generos que han existido en la humanidad: el rock.





martes, 7 de junio de 2011

Sticky Fingers- The Rolling Stones





Si hay alguna banda que representa todo lo que el rock n' roll debe ser, una banda que muestra como rockear, como interpretar música, como actuar para ser un rock star, esa es sin duda la banda más grande de rock n' roll de la historia: The Rolling Stones.

Los 60's se habían acabado, la fantasma de la misteriosa muerte de Brian Jones cada vez se veían más lejana, el Their Satanic Majesties Request que fue mal recibido por la crítica ya estaba en el pasado y parecía un disco transitorio. Los grandes discos de los 60's con Brian Jones y con el reciente Mick Taylor quedaban para la posteridad.The Beatles, sus eternos rivales por la prensa ya no existían, así que era hora de concentrarse en la presente década.

Pero si bien, algo no cambio en los Stones fue que jamás cambiaron, aún seguían siendo los chicos malos, aún seguían siendo los terrores para los padres de familia, aún seguían siendo aquellos hombres que se veían de mala fama en todas las fotos, aún seguían siendo el furor para las chicas que les gustaba lo obscuro, aún seguían los problemas de drogas, aún seguían siendo los símbolos sexuales. Aún seguían siendo sex, drugs and rock n' roll.

El álbum sería la continuación del Let It Bleed, un álbum prolífico que marcaría la antesala para el disco doble aclamado por la crítica. Sin embargo, este álbum seguramente es el mejor de los Stones con Taylor en sus filas. Era el mejor que probablemente se había hecho en mucho tiempo, y quedaría consagrado como uno de los mejores de los 70's.

El álbum tiene todo lo que un álbum: solos de calidad y feeling, instrumentación de calidad, una vocalización que sienta a la perfección con la idea del disco. Un disco que como unidad tiene mucha presencia. Un disco que dificilmente se podría explicar literalmente. Un disco sucio y a la vez con mucha clase, un disco en el que se nota la química entre la dupla Richards-Jagger. Un disco que no tiene parecido.

De principio a fin logra atraparte y entiendes de maravilla la música, siguiendo una linea de calidad y constancia, de buena música, de ritmos pegajosos y por momentos conmovedores, de intensidad y sobre todo de un espíritu que solo podría conseguir la banda más grande de rock n' roll del planeta.


domingo, 5 de junio de 2011

Who's Next- The Who




Era el año de 1971, ya en los 70's una nueva década que presagiaba una época dorada para el rock n roll. Crecía a pasos agigantados. Comenzaba a tomar forma por parte de las bandas más pesadas como Sabbath, Zeppelin, Blue Cheer, mientras King Crimson había asombrado al mundo con su maravilloso debut In the Court Of Crimson King el cual sería la piedra de un nuevo genero. Sin embargo, una mañana Pete Townshend tuvo una genial idea que revolucionaría al rock para siempre.

Habían pasado dos años desde la publicación del Tommy, una opera rock que había maravillado al mundo, y había demostrado que eran una de las bandas más creativas que existían. Talvez ya no eran los Who de mi generación, tal vez eran mejores.

El nombre del proyecto: Lifehouse. Una mega-opera rock muy ambiciosa, pero pretenciosa. Townshend planeaba presentarse en teatros con actores actuando mientras ellos tocaban, el publico haciendo su parte y ayudando a mantener vivo el ambiente. Finalmente, ese proyecto fue demasiado y se tuvo que abandonar. Y a pesar de que, con Quadrophenia, se recuperaría, Townshend estaba herido, de verdad quería grabar Lifehouse, pero no podía hundirse; tenía algo que probar.

Entonces nació así uno de los discos más dinámicos, inovadores, creativos y grupalmente perfecto: Who's Next.

El álbum en general muestra todas las facetas de la banda, atmósferas épicas, el lado más pesado de la banda, el sentimiento, y sobre todo su calidad instrumental contando con un cantante muy potente que podía alcanzar cualquier nota que se propusiese, un guitarrista que ha sido de los mejores compositores del siglo XX, y la parte rítmica del bajo y la batería formando esas atmósferas épicas. y lo más importante, todos funcionando como un reloj suizo para tener una cohesión grupal única en la historia.

Este era un disco adelantado a su época dando cátedra de como usar un sintetizador, demostrando que a veces tan solo era necesario un poco de energía para crear grandes obras, no tanto importando el talento. Afortunadamente, como ingrediente extra para hacerla una banda histórica, eran una de las bandas que concentraba más talento integrante por integrante de la historia.

The Who muestran en el, canción por canción, toda la energía que aún conservaban, todos, con excepción de su bajista, eran unos desenfrenados, eran rebeldes, eran chicos malos, representaban el lado rebelde del rock, eran un símbolo de aquella mi generación. Aún conservaban todo, a pesar de venderse en The Who Sell Out, eran los mismos. Eran la misma gran banda.



sábado, 4 de junio de 2011

A Night At The Opera- Queen




Transcurría un año de 1975 que lucía complicado y prometedor a la vez para una banda surgida de Londres. Hacía poco tiempo que habían despedido a su manager al no considerar justo el reparto de riquezas obtenidos por su mega hit mundial Killer Queen. También durante esta época fue la única posibilidad real de perder a su guitarrista y líder durante toda su carrera. Esta banda es Queen.

A pesar de los problemas que acarreaba la banda, habían llegado a un acuerdo con EMI para grabar el mejor material que pudieran, tendrían todas las facilidades en instalaciones de calidad. La banda estaba alegre, ya no utilizarían el estudio solo cuando estuviese desocupado a horas como en sus primeros dos discos. A final de cuentas, si grabaron grandes álbumes en esas condiciones, su siguiente álbum debía ser potente y magnífico.

Entonces surgió la figura del cantante , principal compositor y frontman de la banda, Freddie Mercury, para ser el principal artífice de ese álbum que homenajeaba a la película homónima de los hermanos Marx de 1935. Éste álbum que se convertiría en todo un clásico y nos regalaría una de las mejores piezas que jamás se han compuesto. Un álbum que haría historia.

Al hablar de A Night At The Opera es inevitable hablar de Bohemian Rhapsody, una pieza grabada únicamente con los coros de la banda, ideada totalmente por Freddie Mercury. Una pieza que plasmaba todo el genio de Freddie, plasmaba el potencial de la banda, y planteaba todo lo que la banda representaba.

Un álbum fresco, especialmente potente, inovador y sobre todo muy dinámico. Calidad, tanto vocal como instrumental, impresionantes. Coros memorables, cambio de matices muy marcados y acertados siempre apetecibles y agradables para el oído. Un álbum plagado de miles de estilos, que van desde un proto power metal, hasta influencias reggae, estilo operístico, gospel, hard rock, blues, folk. Queen siempre ha sido eso: una banda inclasificable.

Finalmente el álbum representa todo lo que la Reina era: carisma, sentimiento, delicadeza, potencia, valentía, humor, relajación. Desgraciadamente la Reina jamás volvió a grabar un álbum a esta altura, pero este trabajo queda para la posteridad, no solo este trabajo, esta banda queda para la posteridad.





The Dark Side Of The Moon- Pink Floyd






Corría el año 1972, el mundo aún inmiscuido en la tensión de la Guerra Fría. La atención mundial se centraba en el territorio de Vietnam, mientras ningún reflector centraba su atención bajo aquella banda del desaparecido Syd Barret. Habían pasado 5 años desde el gran álbum debut de aquella banda que se iba perdiendo poco a poco en el anonimato con sus posteriores discos. Eran situaciones totalmente opuestas, parecían universos distintos, eran universos distintos.

Roger Waters, el cerebro de la banda, tenía muy en claro el rumbo de la banda: la experimentación en álbumes como Ummagumma, Atom Heart Mother y Meddle habían finalmente dado un resultado: Un sonido que sonaba fresco, sinfónico y hasta ese entonces único.La banda, Pink Floyd, cada vez tomaba más en cuenta su carrera y empezaban a vivir de sus composiciones. Music From The Film More y Obscured By Clouds: unos ejemplos claros. Ya no eran unos jovenes adolescentes, pero aún tenían mucho que dar, tenían que darnos uno de los mejores discos que jamás se lograrán hacer.

Era momento de quitarse la etiqueta de one hit wonder, era el momento de deshacerse, aunque no del todo, de su perfil psicodelico. Entonces, con todos estos factores, y bajo la ausencia de Syd Barret, la banda empezó a grabar un álbum que se convertiría en una leyenda musical.

Un álbum que plasmaría para mucha gente el camino hacia la locura, para otros pocos, como yo, todo el camino del hombre desde su nacimiento hasta su muerte; un álbum conceptual de principio a fin con un objetivo bien claro de la banda: hacer historia.

Un disco como unidad de principio a fin que lo tiene todo: sonidos espaciales, melodías unidas, buena interpretación vocal, ritmo efectivo, solos épicos, gran instrumentación, utilización impecable de recursos musicales ajenos a los cotidianos, empleo de sintetizadores de una forma única y unos teclados memorables. Todo en un solo disco.

Pink Floyd en su mejor momento, todos aportando su grano de arena en la composición(algo que cambiaría para volverse una tiranía por parte de Waters). Todos aportando para crear algo único, un disco único. Ningún mejor calificativo para esta obra de arte monumental.

Nunca será bien sabido si algo es mejor que otro, pero nada de lo que se ha hecho tiene parecido con The Dark Side Of The Moon. Una vez que alguien escucha el disco entero, queda plasmado, le da una sensación de que hay universo musical que aún no descubre; Es un antes y un después de tu historia musical este disco